À Séoul, BabyMonster transforme son départ en déclaration d’intention
Dans la géographie très codifiée de la K-pop, certains concerts servent à célébrer un succès, d’autres à rassurer sur la solidité d’un groupe. Et puis il y a ces soirées qui cherchent, dès le premier soir, à fixer une image durable. C’est dans cette troisième catégorie que s’inscrit le lancement de la deuxième tournée mondiale de BabyMonster, intitulée CHOOM, à Séoul, au Jamsil Indoor Stadium, grande salle couverte familière des amateurs de pop coréenne. Pendant trois jours, du 26 au 28, le sextet féminin y a donné le coup d’envoi d’un nouveau chapitre de sa trajectoire, avec une promesse simple en apparence, mais redoutablement efficace dans le langage mondial de la K-pop : faire de la danse non pas un simple élément du spectacle, mais le centre de gravité de tout le projet.
Le choix du mot CHOOM n’a rien d’anodin. En coréen, « 춤 » signifie « danse ». Dans un secteur où les concepts se consomment parfois à vive allure, BabyMonster a décidé d’en faire un mot d’ordre. Le titre n’est pas seulement celui d’un morceau ou d’un album : il fonctionne comme un slogan de scène, une bannière sous laquelle se rangent la scénographie, les lumières, l’énergie des interprètes et la manière même de s’adresser au public. À l’heure où les tournées K-pop sont scrutées bien au-delà de l’Asie, jusque dans les salles parisiennes, bruxelloises ou dakaroises où les fans reprennent les chorégraphies à la sortie des concerts, ce type de promesse a une portée immédiate.
Selon les éléments rapportés par l’agence Yonhap, le concert d’ouverture s’est tenu dans une chaleur estivale écrasante, avec plus de 30 degrés à l’extérieur. Mais à l’intérieur, c’est une autre température symbolique qui dominait : celle d’un groupe décidé à prouver que son identité ne se limite plus à l’étiquette de « rookie », c’est-à-dire de jeune formation encore en rodage. En deux ans à peine, BabyMonster veut déjà se présenter comme un groupe de scène, capable d’organiser son univers autour d’un langage physique, visuel et sonore. Dans un paysage où les nouveaux noms affluent sans cesse, cette volonté de lisibilité est une arme. Il ne suffit plus d’être remarqué : il faut être immédiatement identifiable.
Pour un public francophone, qu’il soit en France, en Belgique, en Suisse, au Québec ou en Afrique de l’Ouest, l’intérêt de cette ouverture séoulite dépasse le simple compte rendu de concert. Elle dit quelque chose de la façon dont les groupes coréens pensent désormais leur rayonnement. Longtemps, le succès international de la K-pop a été observé depuis l’Europe avec une distance mêlée de curiosité. Aujourd’hui, il s’inscrit dans les habitudes culturelles d’une génération pour qui regarder un fancam sur TikTok, apprendre une chorégraphie sur YouTube ou débattre d’une performance sur X fait partie du quotidien. BabyMonster a visiblement compris cette circulation des images. En baptisant sa tournée CHOOM, le groupe choisit un mot coréen qui reste parfaitement compréhensible dans son impact : avant de se traduire, la danse se voit.
Une scénographie industrielle pour durcir l’image du groupe
Ce qui ressort d’abord de cette date inaugurale, c’est la cohérence esthétique. Sur scène, un vaste décor rappelant une usine désaffectée a été installé, avec des structures massives, des tuyaux apparents, une texture visuelle rugueuse et des éclairages rouges accentuant la tension dramatique. Là où l’on aurait pu attendre, dans la tradition de certains concerts de girl groups, une surenchère de couleurs, de brillance ou d’effets plus directement glamour, BabyMonster a privilégié une direction plus brute. Le choix est stratégique : il permet de souligner la dimension physique de la performance, de rendre les corps plus saillants, plus nets, presque plus tranchants.
Cette esthétique industrielle n’est pas nouvelle dans les musiques populaires mondiales. On la retrouve depuis longtemps dans les univers du rock, de la pop urbaine ou de la mode, où l’entrepôt, la friche et le métal rougi par la lumière servent à mettre en scène une intensité plus nerveuse. Mais dans le cas de BabyMonster, elle prend une valeur particulière. Le nom même du groupe joue sur une tension entre jeunesse et puissance : « Baby » suggère la fraîcheur, la précocité, le potentiel encore en formation ; « Monster » revendique l’impact, la force, presque la démesure. La scénographie agit ici comme un trait d’union entre les deux. Elle durcit l’image sans la vieillir, elle muscle le récit sans effacer l’énergie juvénile.
Ce type de mise en scène compte énormément dans la K-pop contemporaine, où le concert ne peut plus être pensé comme une simple succession de chansons. Il doit produire une grammaire visuelle immédiatement reconnaissable, surtout à l’ère des extraits courts diffusés en masse sur les réseaux. Un plan de dix secondes montrant des silhouettes avançant dans une lumière rouge, au milieu de structures métalliques, suffit désormais à installer une atmosphère. En ce sens, la tournée CHOOM semble conçue pour la salle, bien sûr, mais aussi pour sa seconde vie numérique. Les fans n’assistent pas seulement à un spectacle : ils en deviennent les relais, parfois les monteurs, les archivistes et les meilleurs agents de diffusion.
Dans l’espace francophone, où l’on a vu se développer ces dernières années des communautés K-pop très structurées, de Paris à Abidjan, de Marseille à Casablanca, cette lisibilité visuelle joue un rôle déterminant. Les concerts coréens ne sont plus reçus comme des objets lointains et exotiques ; ils sont discutés avec une précision de plus en plus grande, comme on comparerait la tournée d’une pop star américaine ou la direction artistique d’un grand show européen. BabyMonster se place donc sur un terrain où l’exigence du public est réelle. Le décor d’usine abandonnée, loin d’être un simple habillage, constitue une manière de dire : nous voulons être regardées comme un groupe de performance, pas seulement comme une promesse marketing.
La danse comme langue commune de la mondialisation pop
La phrase la plus révélatrice de la soirée est sans doute celle prononcée par la membre Rora, qui a expliqué que CHOOM portait l’ambition de faire du monde entier une seule et même « piste de danse », ou, plus littéralement, un grand « terrain de danse ». Cette formule mérite qu’on s’y arrête, car elle résume assez bien l’état actuel de la K-pop mondialisée. Là où la chanson pop internationale s’est longtemps exportée par le refrain, la K-pop s’exporte aussi, et peut-être surtout, par le geste. On peut ne pas comprendre les paroles, ignorer les subtilités linguistiques d’un texte, et pourtant identifier immédiatement un morceau grâce à sa chorégraphie-signature.
Cette logique n’est pas propre à la Corée, mais elle y a atteint un degré de systématisation remarquable. Les chorégraphies sont conçues comme des supports de mémoire, des vecteurs de circulation, parfois des défis viraux. Les fans les apprennent, les adaptent, les reprennent en groupe dans l’espace public, devant un centre commercial, sur une place ou lors d’événements dédiés. En France, on le voit régulièrement à Paris, notamment autour du parvis de la Défense, du Trocadéro ou de certains rassemblements spécialisés ; en Afrique francophone aussi, les communautés de danse K-pop se sont développées, souvent via des associations culturelles, des écoles de danse ou des collectifs indépendants nourris par les réseaux sociaux. Lorsque BabyMonster promet de faire du monde une piste de danse, le groupe ne parle donc pas dans le vide : il s’adresse à une pratique déjà bien ancrée.
Le mot coréen « 춤판 », évoqué dans le récit du concert, peut désigner un espace de fête, une scène où l’on danse, avec une dimension collective et presque populaire. Le concept mérite explication pour un lectorat francophone. Il ne s’agit pas seulement d’une piste de danse au sens neutre du terme, mais d’un lieu symbolique où l’énergie commune se déploie. Dans la K-pop, ce type d’imaginaire est précieux, parce qu’il permet de réduire la distance entre l’artiste et ses publics dispersés. Une tournée mondiale n’est pas seulement une série de dates : c’est la fabrication d’un espace partagé, même fragmenté, entre celles qui sont sur scène et ceux qui regardent en direct, en différé, depuis Séoul, Lyon, Genève ou Cotonou.
Cette centralité de la danse offre aussi à BabyMonster un avantage très concret. Dans un marché saturé, la performance physique demeure l’un des critères les plus immédiatement comparables. Les fans évaluent la synchronisation, la présence, l’intensité, la précision des transitions, la manière d’habiter une caméra ou une scène. C’est parfois impitoyable, mais c’est aussi ce qui fait la spécificité de la K-pop. En choisissant CHOOM comme bannière, BabyMonster affirme que sa force principale réside là, dans le mouvement et dans sa capacité à fédérer. Il ne s’agit pas simplement de dire « nous savons danser », mais « nous savons transformer la danse en événement collectif ».
Le pari du live : quand le groupe cherche une densité sonore
Autre élément notable de ce concert d’ouverture : l’importance donnée au groupe live. Selon les informations disponibles, le spectacle s’est ouvert, après une vidéo d’introduction immersive, sur une performance portée par un accompagnement de type rock, avec un son massif, presque charpenté, avant l’entrée des six membres sur WE GO UP. Là encore, le signal envoyé est clair. Dans la K-pop, où les prestations reposent souvent sur des bandes très élaborées et une mécanique scénique millimétrée, l’ajout d’un groupe live permet de densifier l’expérience, de lui donner du grain, du relief, une respiration différente.
Ce choix est d’autant plus intéressant qu’il s’inscrit dans une stratégie de crédibilisation scénique. La question du « live » est récurrente dès qu’un groupe débute. Chante-t-il vraiment ? Comment tient-il sur la durée ? La présence vocale résiste-t-elle à l’intensité des chorégraphies ? En mettant en avant une instrumentation plus lourde, BabyMonster semble vouloir sortir de la simple démonstration chorégraphique pour revendiquer une énergie de concert au sens plein. Le rapprochement avec un concert rock n’est pas fortuit : il sert à installer une idée de puissance et d’endurance, qualités historiquement valorisées dans d’autres traditions musicales, en Europe notamment.
Pour un public francophone habitué aux festivals d’été, des Vieilles Charrues à Dour, de Solidays aux grands rendez-vous urbains africains, cette notion de densité sonore n’est pas secondaire. Elle distingue les spectacles qui se contentent d’illustrer un catalogue de titres de ceux qui fabriquent une véritable tension dramatique. Il ne s’agit évidemment pas de transformer la K-pop en rock, ni de plaquer sur elle des critères qui ne sont pas les siens. Mais l’usage du groupe live permet de rappeler que cette industrie, souvent caricaturée en machine trop lisse, sait aussi travailler la rugosité, l’impact immédiat, la sensation physique du son.
Le morceau WE GO UP, choisi pour ouvrir le spectacle, n’est pas non plus un hasard. Son titre agit comme un programme : montée en puissance, propulsion vers le haut, affirmation d’une progression. Dans l’économie d’un concert, l’ouverture est toujours un acte de narration. Elle doit imposer une température, installer une hiérarchie entre les chansons, annoncer ce qui compte. Si BabyMonster a opté pour cette entrée-là, c’est sans doute parce qu’elle permet de résumer à elle seule l’ambition du moment : montrer un groupe qui grimpe, qui accélère, qui veut s’imposer moins comme curiosité de début de carrière que comme acteur déjà structuré du marché mondial.
Sortir de l’ombre de YG et de la comparaison permanente
Impossible d’évoquer BabyMonster sans parler de YG Entertainment, l’une des grandes maisons de la pop sud-coréenne, à qui l’on doit notamment l’essor mondial de BLACKPINK. Le contexte pèse forcément sur la lecture de chaque performance. Lorsqu’une nouvelle formation féminine émerge sous cette bannière après plusieurs années d’attente, l’excitation est immédiate, mais la comparaison l’est tout autant. C’est à la fois un accélérateur de notoriété et un piège redoutable. Être lancé par une agence aussi prestigieuse ouvre des portes, attire l’attention internationale et garantit un niveau élevé d’investissement. Mais cela installe aussi un niveau d’exigence qui peut étouffer les débuts.
BabyMonster, officiellement lancé en avril 2024 avec son premier mini-album BABYMONS7ER, a depuis construit sa palette autour de titres comme SHEESH, WE GO UP et DRIP. Chacun de ces morceaux a participé à la définition de son profil : une pop énergique, soucieuse de l’impact scénique, avec une forte attention portée au rapport entre attitude, cadence et présence. Le concert de Séoul avait donc une fonction de synthèse. Il s’agissait de montrer comment ces morceaux vivent ensemble sur scène, comment ils cessent d’être des sorties isolées pour devenir le vocabulaire d’un groupe.
C’est souvent là que se joue le passage du statut de phénomène débutant à celui d’artiste capable d’habiter un temps long. Un concert raconte ce qu’un simple clip ne peut pas entièrement dire : l’endurance, la cohérence, la relation à la salle, la manière dont les chansons se répondent. Pour BabyMonster, cette première date de la tournée mondiale agit comme un test grandeur nature. Le public n’est plus seulement invité à juger un titre ou une époque promotionnelle, mais une continuité. En ce sens, Séoul n’est pas un simple point de départ géographique ; c’est un lieu de validation symbolique. Dans la K-pop, commencer chez soi avant de partir à la conquête du monde conserve une portée forte. C’est l’affirmation d’une base, d’une légitimité nationale, avant la diffusion globale.
Pour les observateurs francophones de la Hallyu, la « vague coréenne » qui englobe musique, séries, cinéma, beauté ou gastronomie, ce moment est révélateur d’une maturité nouvelle. Il y a quelques années encore, beaucoup de médias généralistes européens regardaient la K-pop à travers ses records de vues et ses singularités esthétiques. Aujourd’hui, l’analyse se fait plus fine : on s’intéresse à la stratégie de développement, au rôle des tournées, aux mécaniques de fidélisation des fans, à la manière dont chaque groupe essaie de définir un territoire. BabyMonster, avec CHOOM, donne une réponse nette : notre territoire, c’est la scène, et notre outil principal, c’est la danse mise en tension par le live et la scénographie.
Une tournée pensée pour la circulation mondiale des images et des récits
Il faut aussi mesurer ce que représente, en 2025, le lancement d’une tournée mondiale dans l’économie culturelle contemporaine. Un concert n’existe plus seulement le soir où il se déroule. Il est fragmenté, commenté, remonté, disséqué, partagé. Les fans publient des extraits, des photos des tenues, des réactions à chaud, des comparaisons entre les dates, des analyses de lignes vocales, des gros plans sur un pas de danse ou un regard caméra. La scène devient matière première pour un récit démultiplié. C’est particulièrement vrai en K-pop, où les publics sont très organisés, souvent multilingues, et capables de faire circuler en quelques minutes des informations, des traductions ou des impressions à l’échelle planétaire.
Dans ce contexte, les éléments mis en avant à Séoul — l’éclairage rouge, le décor d’usine, le son live, la déclaration sur le monde transformé en piste de danse — ne sont pas de simples détails de production. Ce sont les briques d’un récit exportable. Un fan qui n’a pas assisté au concert peut pourtant se représenter l’événement avec précision, presque comme s’il l’avait vu. C’est là tout l’enjeu d’une tournée pop mondiale aujourd’hui : construire des images suffisamment fortes pour survivre à la fragmentation numérique. BabyMonster semble l’avoir compris en offrant une proposition dense, immédiatement résumable, mais pas simpliste.
Pour le lectorat francophone, habitué à voir les musiques globales passer par le filtre des plateformes, cette dimension mérite d’être soulignée. L’internationalisation de la K-pop ne repose pas uniquement sur la conquête de nouveaux marchés par les maisons de disques. Elle repose aussi sur la capacité des fans à traduire, réinterpréter et transmettre l’expérience. En cela, CHOOM est un titre particulièrement intelligent. Il conserve une couleur coréenne tout en s’appuyant sur un langage universel. On n’a pas besoin de parler coréen pour comprendre ce que signifie un groupe qui danse en formation serrée sous une lumière rouge, porté par une batterie lourde et une foule en fusion.
Reste, bien sûr, la question du temps. Une première date réussie ne suffit pas à elle seule à garantir la longévité. Mais elle fixe un cap. Et c’est sans doute la réussite principale de cette ouverture séoulite : BabyMonster y apparaît moins comme une promesse que comme une intention déjà articulée. Le groupe ne se contente pas de dire qu’il veut conquérir le monde ; il propose une méthode pour y parvenir, fondée sur une identité scénique lisible, un travail visuel assumé et un pari clair sur la performance. Dans un secteur où le bruit médiatique peut être immense mais éphémère, cette clarté vaut déjà beaucoup.
Ce que Séoul dit de l’avenir immédiat de BabyMonster
Au fond, le concert de lancement de CHOOM raconte une étape charnière. BabyMonster n’est plus seulement le « nouveau groupe » attendu après une longue période au sein de YG Entertainment. Le collectif entre dans une phase où chaque apparition doit consolider une identité plutôt que susciter une simple curiosité. À Séoul, les six membres ont choisi de le faire en donnant une forme concrète à leur slogan. Plutôt qu’un discours abstrait sur l’ambition mondiale, elles ont mis en place un dispositif où tout converge : décor, lumière, danse, son et interaction avec le public.
La petite phrase de Rora — « C’était bien, non ? » — peut sembler légère, presque joueuse. En réalité, elle résume parfaitement la dynamique de la K-pop sur scène. La performance n’est pas close sur elle-même ; elle cherche la validation immédiate du public, sa réponse, son écho, son cri. C’est un art de l’adresse directe, parfois spectaculaire, souvent millimétré, mais qui a besoin de cette confirmation collective pour exister pleinement. Dans la culture du concert coréen, cette proximité verbale, même au milieu d’une machine visuelle sophistiquée, crée un lien essentiel. Elle humanise le dispositif.
Pour les lecteurs de France et d’Afrique francophone, où l’on observe depuis plusieurs années une montée en puissance des cultures pop asiatiques dans les habitudes d’écoute, BabyMonster offre ici un cas d’école. Le groupe montre comment la Hallyu continue de se réinventer non pas en reniant ses codes, mais en les affûtant. La danse reste centrale, le visuel demeure décisif, la ferveur des fans continue d’organiser la circulation mondiale de l’événement. Mais la proposition gagne en densité lorsqu’elle s’appuie sur une véritable pensée de la scène.
Il faudra désormais observer comment cette promesse voyage, comment elle se transforme selon les salles, les villes et les publics. Car une tournée mondiale n’est jamais une simple reproduction. Elle est aussi un test d’adaptation : ce qui enflamme Séoul résonne-t-il de la même manière ailleurs ? La réponse viendra avec les prochaines étapes. Une chose, en revanche, est déjà perceptible : en ouvrant CHOOM dans la capitale sud-coréenne avec une telle cohérence, BabyMonster a réussi son premier objectif, celui de donner à sa tournée la force d’un récit. Et dans la pop mondialisée d’aujourd’hui, savoir imposer un récit est presque aussi important que savoir aligner les hits.
À l’heure où tant de groupes cherchent à exister dans un flux continu d’images et de sorties, BabyMonster choisit donc une voie simple à formuler, plus complexe à accomplir : faire de la scène la preuve. À Séoul, cette preuve a pris la forme d’une chaleur rouge, d’un décor métallique, d’un son épaissi par le live et d’un mot coréen devenu manifeste. CHOOM n’est pas seulement un titre de tournée. C’est la tentative, très consciente, de transformer l’énergie du mouvement en langage mondial. Et c’est précisément ce qui rend ce départ si révélateur pour tous ceux qui suivent, depuis l’espace francophone, les nouvelles écritures de la Hallyu.
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